jueves, diciembre 23, 2010

INOCENCIA
Por: Mónica Heinrich V.

El otro día le contaba a un conocido sobre la ola de asesinatos perpetrados en jardines infantiles en China. Los analistas, psicólogos y sociólogos estimaron que la creciente ola de perturbados mentales (mas de 5 hasta mayo del 2010) estaba directamente relacionada con los cambios económicos y sociales que vive el país asiático. Concretamente un supuesto desarrollo económico, el estrés que genera esto para el ciudadano promedio hasta entonces censurado y controlado por el Estado, y la desaparición de ayudas vitalicias que antes eran parte del sistema.

Dicha situación ha creado un quiebre que se aprecia en conductas bizarras como asesinatos en masa, suicidios, y el aumento de la criminalidad en general.

Zhang Peng es un fotógrafo, pintor chino, que precisamente toma el mundo infantil para dar una visión desesperanzada y dolorosa de lo que percibe como su entorno. Sus fotografías han ganado premios en muchos festivales especializados y tienen como característica principal el uso de niños en apariencia inocentes, frágiles, desvalidos, que se contraponen a un contexto oscuro, hasta perverso. Los ojos de sus modelos han sido retocados, con el sólo afán de mostrar la tendencia imperante asiática de recurrir a la cirugía plástica para imitar los ojos occidentales.

"Mi niñez fue extremandamente escalofriante. Mis padres peleaban violentamente todo el tiempo porque no teníamos suficiente dinero. Cuando ellos peleaban yo buscaba lugares para esconderme y desaparecer dentro de mi mente".

"Las niñas que fotografío son cualquiera y yo mismo. En la China moderna, los niños crecen más rápido y sus vidas son más complicadas porque ahora China tiene dinero. Los niños, desde la más tierna infancia están aprendiendo a amar el dinero y a creer que es lo importante".

"Muchas cosas que ves no son reales. Lo que hay debajo de la belleza y la magnificencia es un interminable dolor que nadie conoce"

Los expertos dicen que Zhang Peng es la nueva cara del arte contemporáneo en China, y que su obra refleja esa dura transición. Sin embargo los críticos del artista se preguntan si la argumentación para entender el "tono" de su obra, no queda chica ante un límite que algunos piensan se ha rebasado.

Dirán lo que quieran, lo que no se discute es el impacto visual y el talento del chino. Quizás lo lindo hubiera sido que se tope con el poeta Ryusui Yoshuida que en una frase triste y optimista al mismo tiempo, arroja luz en esta pestilente cloaca que a veces parece el mundo:

“El niño perdido en el bosque llora, pero sigue persiguiendo mariposas"

Lucho
Por: Mónica Heinrich V.

Luis Espinal. La primera vez que escuché hablar de Luis (perdonarán las confianzas) fue cuando tenía unos 11 o 12 años. Mi padre que ha sido una persona ligada a ese tipo de temas desde que tengo uso de razón lo mencionaba alguna vez, junto con el nombre de Marcelo Quiroga Santa Cruz. Desde entonces, me quedó claro que se trataba de alguien importante. Importante por su legado, importante por la manera en que fue asesinado, por el contexto, por las reacciones generadas en una sociedad generalmente pasiva a la hora de rendir homenajes y claro, descubrir que Luis era cinéfilo sólo contribuyó a generar más simpatía por el personaje.

Pasaron los años, crecí, Bolivia continuó siendo esa olla a presión que cocina langostas vivas, y Luis Espinal se quedó suspendido en el tiempo, como un recuerdo triste del horror vivido durante la dictadura de García Meza. Se puede decir que Luis fue evocado por algunos, pero en líneas generales se convirtió en un “mártir” bastante olvidado. El hecho de que alguien saque un audiovisual que recupere su figura, ya era un gol de media cancha. Por eso, cuando vi en cartelera Lucho SanPueblo, me sacudió la curiosidad, el entusiasmo y una empatía a priori.

Lucho SanPueblo es un supuesto documental dirigido por el Padre Eduardo Pérez Iribarne. Hasta ahí, vamos bien. Pérez Iribarne es conocido como periodista de radio FIDES y también fue mucho tiempo parte de la televisión nacional. Para más inri fue colega y amigo del fallecido Luis, por lo que, estimo, existen elementos emotivos a la hora de hacer Lucho San ueblo.

El problema está en que las buenas intenciones nunca son suficientes, y lo que intentó ser un tributo, ofrenda, o deuda histórica, se convierte en una tortura para quienes vamos al cine esperando ver a la figura de Luis reivindicada, o los que van buscando vivir un tardío duelo: llorar y añorar.

Las primeras imágenes en las que ves fotos de archivo con un marco azul similar a los que usan los videos caseros de quinceañeras, no podían ser un buen augurio. Ni siquiera pienso discutir qué elementos componen o no componen un documental, sino afirmar que Lucho SanPueblo más parece un reportaje para la televisión de los años 80s. El Padre Pérez Iribarne dirige un trabajo en que el protagonista es él mismo. Sí hablan de Luis Espinal, sí todo gira alrededor de Luis Espinal, pero la forma en la que fue llevado a cabo se quedará en tu retina por las intervenciones bizarras de Pérez Iribarne.

Lucho SanPueblo intenta recrear la vida de un mito, de Luis Espinal. Esa recreación abarca desde sus años en España, su introducción a la religión, su venida a Bolivia, su intenso amor por el cine, su trabajo como crítico, como radialista, su participación en Chuquiago, a la par de estas inclinaciones artísticas… su lucha por las clases más desfavorecidas, su apoyo a las huelgas y marchas mineras, etc..Escrito así son muchos tópicos y dada la falta de cohesión en la estructura del audiovisual, nada es realmente profundizado ni unificado como la figura lo merece.
Ese es uno de sus mayores problemas, sí se tocan superficialmente muchos de los puntos mencionados, pero la figura política de Luis, digamos el peso que tenía en la época como líder y como agente de influencia social, nunca queda bien dibujado.

Los detalles históricos son condimentados con testimonios de amigos, colegas, y gente relacionada a su asesinato, pero eso sencillamente no alcanza. Son testimonios desperdiciados, que hacen que más de una vez uno se pregunte en la oscuridad de la sala: “Qué pensaría el crítico de cine Luis Espinal” o tener la certeza de que: “Luis debe estar pateando su cajón”.

A eso hay que agregarle la HEREJIA de que sea el padre Pérez Iribarne el conductor de la cuestión y el afán de “recrear” o “dramatizar” escenas con un actor que interpreta a Espinal.

Las “dramatizaciones” nos llevan a lugares insospechados. Momentos que seguramente sólo serían comparables a un sueño de Dalí, de lo surrealista que resulta todo. Ejemplo: Cuando dramatizan la tortura a Espinal y Pérez Iribarne interrumpe la escena en onda mesiánica, ángel de la guarda o algo así, con el subsecuente texto alegórico; o la escena donde Pérez Iribarne INTENTA emocionarse para emocionarnos en la “morgue”, seguramente uno de los momentos freaks del cine nacional en el 2010. Televisa debe andar buscando el actor que se le perdió.

Y es triste que algo que habría que tomarse con seriedad, nostalgia, admiración, provoque por momentos hilaridad debido a los recursos utilizados y a un mal manejo de lo que puede ser emotivo y de lo que resulta simplemente ridículo.

No obstante, como ya lo dije, su PLUS y enorme es que por lo menos recupera la figura de Espinal y recuerda a todos los que se dedican al audiovisual que es un personaje del que todavía queda mucho por decir. Se agradecen las buenas intenciones, y el cariño puesto en Lucho Sanpueblo, pero tomando en cuenta que el personaje homenajeado era amante y crítico del cine, no se puede fingir que aquí no pasó nada. Mal montaje, malos efectos, mal sonido, testimonios desperdiciados, el Padre Perez Iribarne interrumpiendo todo a cada rato y dramatizaciones dignas de un capítulo de Marimar.

El 21 de marzo de 1980, Luis acudió al cine 6 de agosto a ver el filme Los Desalmados. Los esbirros (desalmados también) de García Meza y Arce Gómez, lo secuestraron, torturaron salvajemente y asesinaron esa misma noche al salir de la proyección. Al día siguiente, su cuerpo fue encontrado en un vertedero de basura. En la tumba donde descansa se lee el epitafio: “Mártir por la democracia”

El 2010 las carteleras nacionales exhiben Lucho Sanpueblo. Señores, la historia no permite justificar lo injustificable. Esperemos que a nivel audiovisual, algún día se pueda hacer algo a la altura del mito.

domingo, diciembre 19, 2010

Facebookeo luego existo
Por: Mónica Heinrich V.

Facebook. Cara-Libro. Pues cuando me planteé quién podría ser el master-yoda de semejante engendro virtual, tuve claro desde el principio que el perfil psicológico de dicho sujeto no sería precisamente el de un pinche humano normal. Una persona cuyo desenvolvimiento social sea relativamente óptimo, que esté inmerso en esa hoguera de vanidades que supone el tunchi tunchi tunchi de las discotecas, reuniones sociales, y amigos reales, jamás se pondría a pensar en lo bello que sería encerrar sensaciones similares en una granja virtual de realities.

Porque seamos honestos, lo interesante del Facebook radica en su poder como arma letal de espionaje. Ese placer morboso de espiar a todos. De saber qué hace o en qué anda el prójimo, sin tener que mezclarte realmente con él. De ese presente incorruptible, imperturbable, per-pe-tuo donde conviven personas del pasado, personas que queremos sean parte de nuestro futuro y todos esos "amigos" reales y ficticios que son parte del ahora. Está, también, la vacía vanagloria de decirle al mundo que seguís vivo, que existís, que vas al baño, que estás leyendo alguna pelotudez, que te emputa el Nobel, que amaneciste triste como un perrito con diarrea, que tenés una "relación complicada", sí, sólo alguien bien jodido y enfermo podría imaginarse los alcances de trasladar todo eso a una pantallita luminosa, y encima poner opciones que recreen una validación del rebaño (Me gusta, Comentar, linkear, etiquetar) Ese alguien es nuestro "amigo" Mark Zuckerberg, creador, fundador, promotor y gran cerebro detrás del Facebook.

Y Red Social es la película NO autorizada de dicho Rasputín de la tecnología. Sobre esta semibiopic tengo dos buenas noticias: 1) Es la mejor película americana, de alcance masivo, que he visto este 2010 y 2) la dirige un gran gran director: David Fincher, conocido y amado por películas como Seven, El curioso caso de Benjamin Butto y (esperen, voy a llorar al baño) El Club de la Pelea.

Pero esto no nace con Fincher, no. El filme se basa en el libro de Ben Mezrich: Los billonarios accidentales, la fundación del Facebook una historia de sexo, dinero, genialidad y traición. Con semejante título, habrá quienes se pregunten (atinadamente) sobre la veracidad de lo narrado. Pues el escritor, Mezrich, es un graduado de Harvard, y se hizo conocido por escribir los libros acerca del grupo de estudiantes que se hicieron millonarios al estandarizar un sistema de conteo de cartas en los casinos. Libros que después fueron llevados a la pantalla gigante en aquella MALA película llamada 21 Black Jack. Algunos periodistas se dieron el afán de investigar fuentes y posibilidades de lo escrito por Mezrich, las investigaciones arrojaron que se trataba de inventos, de una ficción disfrazada de "Basado en hechos reales".

Con esta referencia sobre la dudosa confianza que podemos depositar en este personaje, muchos habrán esbozado una sonrisa escéptica, PERO en el caso del libro del Facebook, Mezrich usó como primera fuente a Eduardo Saverin, el otrora mejor amigo, hoy enemigo, ex demandante de Mark Zuckerberg.

El libro narra lo mismo que la película: Año 2003, un genial pero pendejo Zuckerberg empieza a crear la red social que cambiaría para siempre la manera de comunicarnos. En este camino a la posteridad, dicho personaje es apoyado por Eduardo Saverin, mejor (único) amigo de Harvard, que además es el que pone el capital inicial para echar a andar la "vecindad". Como en todo negocio que tiene éxito, las rencillas comienzan a aparecer, al igual que los arrimados. Lo que era un dúo dinámico: Zuckerberg-Saverin, se contamina con la llegada de otro crispín, Sean Parker, el creador del NAPSTER, que sumido en las drogas y con sus 15 minutos de fama perdidos, se sube alegremente al barco del Facebook. Nos pintan a un Zuckerberg plano afectivamente, nulo socialmente, obsesionado con pertenecer a ciertos grupillos de poder (un equivalente serían las pinches decadentes logias de este pueblo) y con una necesidad de reconocimiento rayando lo patológico. A eso sumésmole su desprecio por todos aquellos seres que no comparten su IQ y su inexistente remordimiento ante acciones rastreras.

Es así que Zuckerberg termina demandado por dos flancos, uno su ex mejor amigo, socio, compinche, inversor: Saverin y otro, por los hermanos Winklevoss quienes alegaron que Mark les robó la idea... corrijo, la millonaria idea.

Qué hace el director David Fincher con esto que parece una telenovela? Hace una gran película. Sí. Con un manejo del ritmo envidiable, y una narrativa sobria, nos cuenta todo lo ya dicho intercalando tiempos, demandas, y situaciones, como si de un rompecabezas se tratara. Una propuesta que tiene como eje central a un personaje rico (no sólo en billetes) como Mark Zuckerberg y provoca que salgamos del cine debatiendo cuyo hijo es el Facebook y si ese pequeño cabroncito de Zuckerberg merece entrar al cielo.

Uno de los grandes aciertos están en el guión escrito por Aaron Sorkin conocido en el ambiente por ser el guionista de la serie para TV The West Wing, confieso que nunca pude ver un solo capítulo, pero los diálogos creados para la boquita de Zuckerberg son precisos y contundentes. Como también lo es la música de Atticos Ross y de Trent Reznor, líder de esa mítica banda llamada Nine Inch Nails.

Evidentemente que existe una visión parcializada a favor de Saverin, que en resumidas es el que vendió su alma al diablo (Mezrich) dando testimonios sobre la fundación del Facebook. No creo que Saverin fuera tan ingenuo o pelotudo como se lo pinta, una tierna gacela campestre que fue abusada por depredadores salvajes, y quizás nuestro amigo Zuckerberg tampoco fue tan hijo de Pooh. La verdad, como dice el reguetón Nadie lo sabrá...shhhh shhhh

Jeff Cronenweth es el encargado de la dirección de foto, y son los mismos ojitos que se encargaron de esa labor en El Club de la pelea. Este tipo es hijo de otro gran director de fotografía, el señor Jordan Cronenweth que fue el encargado de Blade Runner. O sea, estamos ante una película que tiene en todos sus campos a nombres de peso y talento.

No menos talentoso es el casting. Un casting donde destaca Jesse Eisenberg dando vida al poco amigable Zuckerberg, quien en la escena que da comienzo al filme "lo borda", como dicen los españoles. También tenemos a ,Andrew Garfield como Saverin y Justin Timberlake como Sean Parker.

Concederé que quizás la trama se alarga demasiado, y que 2 horas para estar con el ojo pelado viendo cómo se pudren las amistades, y las relaciones personales gracias a los avatares tecnológicos y sobre todo, a los figuretismos y ansias de dólar, es como too much. Pero lo vale. Así como valen la pena los 50 millones de dólares que se invirtieron en esta película modesta, bien filmada, que nos hace recuperar las ganas de ir al cine a ver BUEN cine.

Red Social, sin duda es una de las grandes películas del año. Encima trae a colación un tema espinoso como el desarrollo de nuevas formas de comunicación, una comunicación que hoy por hoy se hace en un cuarto, a solas, y que involucra las más bajas motivaciones: el exhibicionismo, el narcisismo, el vouyerismo, y una pequeña burbuja llena de espejos y micrófonos.

La escena final, la escena que luego de 121 minutos de proyección se te queda grabada en la retina, es la propia. SPOILER Un tipo de 26 años, billonario, esperando que una tipa que no lo puede ver ni en pintura le acepte su solicitud de amistad...

No me des más esperanzas: sé que todo son mentiras; sacos llenos de agujeros para guardar alegrías.

CURIOSIDADES
- Se hicieorn 99 tomas para la primera escena del filme, la de la charla entre Zuckerberg y su novia.
- Las escenas dentro de Harvard se filmaron en el Wheelock College, ya que Harvard negó el permiso para filmar en su campus, cosa que hace desde que Love Story (1970) dejó daños de consideración cuando les dieron permiso en esa época.
- Fue filmada con la Red One a 4k de resoluciones.
- David Fincher ha sido director de videos musicales como Vogue (Madonna), Who is it (Michael Jackson), Love is strong (Rolling Stone) y Born this way (Lady Gaga) entre otros.
- Red Social lleva recaudado más de 180 millones de dólares.
- En la vida real, Zuckerberg es un filántropo que ha donado hasta el momento más de 100 millones de dólares de su fortuna personal. Sus críticos creen que es una forma de limpiar su imagen, tomando en cuenta el estreno de la película que no lo deja bien parado.
-Ante la imposiblidad de encontrar gemelos idénticos que den la talla para lo que Fincher buscaba, los hermanos Winklevoss fueron caracterizados por dos actores no relacionados Armie Hammer y Josh Pence, que el director pensó eran suficientemente similares, en las tomas donde se ve el rostro de ambos, la cara de Josh Pence fue reconstruida digitalmente con una imagen de Hammer.
- Sólo Justin Timberlake conoció a su personaje Sean Parker antes de filmar la película.
- El primo de Jason Einsenberg (Mark Zuckerberg en el filme) trabaja en la vida real para Facebook, muy cerca al Zuckerberg real.
- Hay un cameo de Aaron Sorkin, el guionista, que aparece como uno de los ejecutivos con los que Zuckerberg y Saverin se reunen. - La actriz que se menciona durante la película, cuando existe el diálgo sobre lo que ha dado Harvard al mundo: "19 Nobels, 15 Pulitzers, 2 atletas olímpicos y una actriz de cine" es Natalie Portman, que fue parte de Harvard entre 1999 al 2003, y que brindó información confidencial al guionista sobre lo que sucedió en el campus cuando el facebook estaba gestándose
- Toda la ropa que usa el personaje de Zuckeberg, es ropa que el Zuckerberg real usó.
- David Fincher es el encargado (GRACIAS DIOS, GRACIAS) de filmar la versión americana de la saga de Stieg Larsson. Actualmente se encuentra filmando el primer libro: El hombre que no amaba a las mujeres, que será llevado a la pantalla gigante con el nombre de: La chica con el tatuaje de dragón.
- Una vez se resolvió el tema legal entre Zucerberg y Saverin, Saverin rompió contacto con el escritor Mezrich.
-Zuckerberg afirmaba que nunca vería el filme, finalmente terminó viéndola y uno de los comentarios que hizo fue que a pesar de algunas fallas, por lo menos acertaron en la ropa.

Lo mejor: excelente filme

Lo peor: algo largo, y claro, viene con las tintas cargadas

La escena: la escena del principio y la del final

Lo más falsete: hmmmm

El mensaje manifiesto: hay gente que no necesita amigos

El mensaje latente: cualquier gran amistad puede ser rota por un par de dólaresEl consejo: Vela, está buena

La pregunta: ¿cuántos amigos reales tendrá Zuckerberg?

QUE MAL AÑO
En la otra esquina tenemos a El Pocholo y su marida.
Han leído todas las cosas lindas que sentí al ver Red Social? Pues por el mismo precio, exactamente la misma cantidad de dinero, podés ver El Pocholo y su marida. ¿No les parece lo más absurdo del mundo? Es como que te cobren lo mismo por ver a Plácido Domingo que por escuchar a un cantante desafinado con la guitarra rota y un coro de gallos de fondo.

Fui a la premier esperando que al tratarse de una comedia, por lo menos me parta de risa como ha sucedido con Sirwiñakuy, Cruces, Provocación, etc.. pero contrario a todas mis expectativas, la "película" me resultó muy aburrida y por momentos, bastante desgradable.

Me es muy muy difícil conectarme con la premisa, que quizás en un café concert en cuyo contexto el sketch de Pocholo puede durar un total de entre 5 a 10 minutos, arranque una que otra sonrisa (de mi parte), pero en un filme donde estirás dicho sketch hasta la hora y cuarenta, es una tortura de proporciones épicas.

Y OJO que nadie discute las capacidades actorales de Guery Sandóval o de alguno de los involucrados como Pedro Grossman o la Erica Andia o Guillermo Sicodowska, quienes han demostrado muchas veces que talento hay. El problema es las pocas aspiraciones a trasladar ese talento en algo que no sea sólo la excusa para decir con orgullo "volcamos taquilla" o "al público le encanta". Yo también soy público y no, no me encanta.

El otro día, un amigo me comentaba su experiencia como parte de una reciente película nacional. En dicha película nacional se vieron con la disyuntiva de que no tenían presupuesto y que todo lo que consiguieron fue 400 dólares, nada más. La disyuntiva, obviamente, era hacer o no hacer la dichosa película. Además de los 400 $us, no iban a tener director de foto y obviamente cualquier cosa que se logre iba a ser con la ley de lo mínimo. Escapa a mi entendimiento, cómo decidís hacer una película si no tenés las condiciones. Pero esta gente decidió hacerla.

Ese es sólo un ejemplo de cómo se maneja el tema del “gran” andamiaje cinematográfico nacional: El hacer x hacer. Hecho confirmado en las películas bolivianas estrenadas este año. En Pocholo y su marida, trabajó gente que conozco, y algunos que conozco de hace años, otros que recién tuve el gusto de conocer, y que así como trabajaron en este filme, igual trabajaron en Y también la lluvia...por dar un ejemplo. Eso nos dice que no es el equipo lo que no funciona, sino el proyecto.

Pocholo y su marida cierra un año lamentable y olvidable. No tengo ni ganas de escribir sobre el argumento, pero ustedes merecen saberlo. La cosa se resume en que Patíbula, la esposa de Pocholo es secuestrada, y Pocholo debe acudir a rescatarla. No es más.

Me senté en la última fila, en ese espacio que da justo a las gradas que te guían a la libertad, y el pudor hizo que no me moviera hasta que salieran los créditos. Una vez salieron los créditos, salimos escupidos del lugar.

EXTRAS
- Aprovecho para avisarles que en enero vuelve PSCINE, estoy haciendo una selección exhaustiva de películas para exhibir y compartir con cualquiera que tenga ganas. Los criterios de selección son: que sean buenas, jodidas, jugadas, raras, y difíciles de conseguir. Más información en las siguientes semanas.

“Balada de la soledad”
Por: Mónica Heinrich V.

Si te casas, te arrepentirás;
Si no te casas, también te arrepentirás.
Te cases o no te cases, lo mismo te arrepentirás.
Si te ríes de las locuras del mundo, te arrepentirás;
Si lloras, también te arrepentirás. Las rías o las llores, lo mismo te arrepentirás
Si te ahorcas, te arrepentirás; si no te ahorcas, también te arrepentirás.
Te ahorques o no te ahorques, lo mismo te arrepentirás
Tanto si te ahorcas como si no te ahorcas, te arrepentirás
Este es, señores, el resumen de toda la sabiduría de la vida

No es fortuito que en una de las escenas de Noi, el albino se recite estas palabras de Søren Kierkegaard. Kierkegaard que, según otro filósofo, hizo de su soledad un regalo para el mundo.
No. No es fortuito.

Después de un fin de semana con algunos chascos cinematográficos (a describir en los extras), tuve la suerte de ver este pequeño filme procedente de Islandia. Han leído bien: Islandia. Ni yo misma sabía qué esperar de un país al que sólo conocía por Björk, Sigur Rós y Emiliana Torrini.

Un país chiquito, con menos habitantes que Santa Cruz de la Sierra (casi 320.000), perdido en el extremo noroeste de Europa. Una isla rodeada de glaciares. Aislada. Sola.

El director islandés Dagur Kari debutó en el 2003 con Noi, el albino, filme que nos remite a películas cuyas temáticas nos muestran adolescentes algo freaks, inadaptados, desconectados del mundo, persiguiendo una quimera. Ya lo hicieron Donnie Darko y Ghost World, pero en este caso la narrativa es mucho más minimalista. El adolescente de 17 años (Noi) no transita la perturbación, ni el odio a su entorno. Su soledad se refleja en un paraje inhóspito donde la nieve, lo blanco se extiende al infinito, aunado a un frío que no cesa nunca.

El pueblo es tan pequeño que su aula no tiene más de 10 alumnos, la estación de servicio a la que va cuando se escapa del colegio, nunca tiene clientes; algo similar ocurre con la biblioteca. Todo es vacío, ausencia.

El rodaje se realizó en Bolungavík, un pueblito islandés que tiene 962 habitantes, paradigma de una absurda rutina. En el filme, Noi es huérfano de madre, su padre es un taxista alcohólico, no tiene hermanos, ni ningún otro nexo afectivo aparte de su abuela que es la que vive con él. No le gusta la escuela, los profesores lo creen estúpido, aunque en realidad tiene una inteligencia superior al promedio.

Noi tiene 17 años y está rodeado de gente que se conforma con ver la vida pasar. La pereza por levantarse de la cama, la apatía por ir al colegio, son tan solo metáforas de un rechazo hacia lo estático, a ese pinche pueblo donde todos los días son iguales. Un lugar donde él es el bicho raro, el albino, el que incapaz de sujetarse a esa pasividad, a ese desierto emocional, se resguarda en el subsuelo de su casa…

Eso hasta que conoce a Iris, otra adolescente de su misma edad, que comparte con él la soledad, el frío, la angustia de ser peculiar. Escena memorable cuando tienen su primera cita y no consiguen un lugar a dónde ir. O aquella donde parados frente a un mapamundi que tiene botones que iluminan a países, descubren que Islandia no se enciende. “Es una escupida”, dice Noi al señalar su país en el mapa, un punto remoto ante lo vasto del planeta.

Y claro, la quimera de Hawai con su paisaje obscenamente tropical y opuesto al de Islandia. El sueño del cambio, de una nueva vida, de romper una rutina que lo consume todo y que obliga a nuestro protagonista a intentar escapar…huir…

El guión se mueve en los aspectos más simples. No pretende darnos un gran mensaje existencial, ni tampoco mostrarnos de forma rimbombante el proceso espiritual que sigue el personaje. Los hechos se suceden con el mismo ritmo con el que los días pasan en un pueblo lejano, de pocos habitantes, con temperaturas bajo cero.

Con una fotografía bellísima, donde el color azulado ha sido elegido para darle al filme un aire más opresivo, tanto la dirección de arte como el vestuario contribuyen a lograr escenas que son casi postales.

La música compuesta y ejecutada por la banda del mismo director, Slowblow, cuyo estilo transita entre el ascetismo, lo electrónico y lo folk, terminan de redondear atmósferas. Una excelente banda sonora, agradable, melódica, diferente.

Con toques de humor negro, Noi, el albino, es la balada de un solitario.

Actuaciones más que convincentes, donde Tomás Lemarquis que interpreta a Noi, alcanza su momento culminante en la escena donde con la mirada fija y aguada, descubre por la TV que todo su entorno ha sido borrado del mundo.

Sobra decir que Dagur Kari, director y guionista, consigue una ópera prima que a nivel técnico es impecable, una lección para aquellos que desean dedicarse al cine y que a nivel de contenido alcanza visos realmente mágicos.

Llega un momento en que te preguntás hacia dónde está yendo y la respuesta llega rauda, poética. En un ataque de genio, el director cierra su película dejando a Noi más solo que al principio, absurda y cojudamente solo. La rutina es rota, pero deja a su paso más vacío, donde la imagen de palmeras hawaianas y olas marítimas, se transforman en una esperanza irrealizable. Frío, mucho frío.

LO MEJOR: diferente.
LO PEOR: no es para todos.
LO MAS FALSETE: …
LA ESCENA:
la del mapa y el final.
EL MENSAJE MANIFIESTO: Estamos solos
EL MENSAJE LATENTE: Ciorán lo dijo: “La soledad no te enseña a estar solo, sino a ser único.”
EL CONSEJO: Dale una oportunidad, es muy linda.
LA PREGUNTA: ¿exhibirán en el cine de este pueblo, este tipo de películas algún día?
He dejado mi original de Noi, el albino en Netmovie (http://www.netmovie.com.bo/ o su lugar físico al lado del cine Bella Vista, frente al estadio) para que quienes deseen verla, puedan acceder a ella. Espero les guste.

CURIOSIDADES
- El profesor de francés que sale en el filme es el padre de Tomás Lemarquis (Noi) en la vida real y al igual que en la peli, es profesor.
- Las escenas de la playa fueron filmadas en Cuba, en un inicio Noi estaba incluido caminando por la playa, pero el director decidió dejar un mensaje más ambiguo.
- Las imágenes de las palmeras o de árboles verdes se repiten en distintas escenas, ya sea como parte de poleras, en la torta de cumpleaños de Noi y en el empapelado de la casa familiar.
- Ha ganado cerca de 20 premios internacionales en distintos festivales de cine.

EXTRAS
- Nine:
A ver, a ver…Rob Marshall no es cualquier crispín. El tipo ha sido nominado a Emys, Tonys, Globos de Oro, Oscars. Su filmografía incluye la muy recomendable Chicago, la insulsa Memorias de una geisha y ahora, Nine. Nine fue una experiencia rara, porque si bien es cierto que a nivel factura es impecable, que cuenta con un elenco de lujo (el gran Daniel Day Lewis, la siempre impecable Marion Cotillard, Penélope Cruz, Kate Hudson, Judi Dench y hasta la mismísima Sophia Loren, entre otros)…es un filme que sólo podría definirse como un pajazo de aquellos, pero bellamente filmado (no hay que negar lo de bello). Dicotomía casi impensable. Los aciertos de Nine tienen que ver con la espectacularidad de sus coreografías y vestuario, así como ese tufillo que cualquier amante del cine podrá percibir y que nos habla de la pasión, la entrega, el alma, vida y corazón que puede provocar el celuloide. Daniel Day Lewis interpreta a Guido, un famosísisisisimo director de cine que se ha quedado sin ideas para su nueva película. A pesar de eso, por ser considerado un genio, la producción del filme ha arrancado sin siquiera tener un guión listo. Esta sequía creativa contrastará con la inestabilidad de pareja por la que atraviesa, al tener que llevar una doble vida, por un lado con su esposa, por otro, con su amante. Supuestamente es un homenaje a Fellini, concretamente a 81/2 de Federico Fellini, quien en estos momentos debe estar revolcándose en su tumba y arañando su cajón.

Marshall ha conseguido que un grupo de grandes actores participen en una historia groseramente desperdiciada, que gracias al onanismo en torno a su figura principal (Guido-Day Lewis) se vuelve casi insoportable, y donde las féminas parecen no tener otro deseo en la vida que abrirle las piernas a este desagradable sujeto. Intenta recrear un filme grandioso, pero se queda en la más nefasta pretensión, que para el público promedio supondrá un suplicio en el que la fastuosa puesta en escena coreográfica, musical y de vestuario, sirve como elemento distractivo para que intentés disculpar este despropósito. Y parece ser que el director piensa que es la gran obra de arte, pero señores, ver a Nikole Kidman como fría musa, a Penélope repetirse como mujer histérica y sex symbol, y a Sophia Loren aparecer como la momia del cine, que con su aparición tendríamos que suspirar pensando en Italia y el cine italiano, no jodan. Too much. La recomendaría sólo por la música (sonido, no letras) y por tres escenas, la primera con la que el filme abre, que hace que uno tenga la ligera ilusión que va a presenciar algo bueno, la escena que le corresponde a Fergie con el baile de las panderetas y la arena y la tercera, la que protagoniza Marión Cotillard en blanco y negro, cuando le canta a su marido lo vacía que la ha dejado. Muy bonita. De resto, guácatelas…una mezcla entre las pussycat dolls, fashion tv y una parodia del cine italiano. En lugar de llamarse Nine, debió llamarse Guido.

- Nuevamente amor (Love Happens): Comedia romántica protagonizada por Jennifer Aniston y Aaron Eckhart. Qué carajos se puede esperar de Brandon Camp, director que tiene en su curriculum el haber escrito la boludez esa Dragonfly donde Kevin Costner veía libélulas¿?. En esta ocasión, el guión también corre por su cuenta y esta vez se atreve a dirigir. Insípida y por momentos exasperante “comedia romántica”. Aaron es un crispín cuya esposa pierde la vida en un accidente de auto, desde entonces se dedicó a escribir libros y dar seminarios de autoayuda sobre cómo superar una pérdida. No todo lo que brilla es oro, por lo que nuestro abnegado seminarista finge haber superado la muerte de su esposa pero sucede todo lo contrario. Jennifersita será la encargada de hacerlo enfrentar el dilema, de devolverle la fe en la vida y las ganas de amar. ÑOÑOS. Por último si estuviera bien hecha, me creo la historia y me pongo a dibujar corazones con mi nombre y el de compañero de butaca dentro, pero no. Se salva por el carisma de sus protagonistas, que funcionan para este tipo de filmes. Nada más.

- Satanás: Esta estuvo interesante, pero sobre todo por la temática. Se trata de una película colombiana basada en un hecho real: La masacre de Pozzeto. Yo que soy fanática de hechos macabros e historias donde un día un tipo común y corriente se freakea y comete actos que dejan a la opinión pública con la jeta abierta, estuve más que dispuesta a verla. La historia se centra en Campo Elías Delgado, un colombiano que fue veterano de la Guerra de Vietnam y una vez retirado, regresó a su país y se ganaba la vida como profesor de inglés. Pues resulta que este señor vivía con su madre, con la cual tenía una relación muy conflictiva. El tipo era muy peculiar, leía un montón, jugaba ajedrez, era un intelectual fan de Robert Louis Stevenson. Desgraciadamente, su personalidad oscura lo hizo estar muy solo e imagino que las cosas que vio en la guerra tampoco ayudaron mucho a que le entrara cariño por la vida. En el momento de los hechos, pasaba clases de inglés a una adolescente a la que, tétricamente, le había dado para leer Dr. Jekyll and Mr. Hyde. Un día, se dirigió a su restaurante favorito (Pozzeto), se sirvió un plato de pastas, tomó un buen vino, etc.. Después de cenar, se retiró al baño y al volver a su mesa abrió fuego indiscriminadamente asesinando a 30 personas e hiriendo a otras 15. Como el tipo era veterano de guerra, su puntería era certera y en medio del pánico, pudo recargar su pistola tres veces. La película tiene como protagonista principal a este individuo, y paralelamente teje dos historias más que al final convergerán en el restaurante. Una, la de un sacerdote que vive atormentado por el amor/pasión que siente por su ama de llaves y dos, una muchacha pobre con ansias de salir de la pobreza y que se mete a pildorear tipos para robarles.

La primera parte está aceptable, aunque tiene esa cosita media emputante del cine latino que hace que sus productos tengan un airecito a telenovela, pero luego levanta mientras nos sumergimos más en la oscuridad del veterano. Para cuando todo se va al chancho, nos sentimos ante un buen producto, las últimas escenas están bien narradas y el clima muy bien construido. Las actuaciones son buenas, aunque no me gustó mucho la del cura (el actor murió recientemente), pero la de Damián Alcázar (Eliseo) es sobresaliente. Ha ganado unos cuantos premios en distintos festivales. Está entretenida, mirable, aunque tiene sus efectismos y sus cositas que la hacen ver un poco ordinaria a ratos, pero en líneas generales no me arrepentí de verla y el tema, como dije al principio, es por demás de interesante.

LOS OTROS
Por: Mónica Heinrich V.

Peter Jackson.
A estas alturas, cómo no sentir simpatía por este ex-gordo?
Su ópera prima, Bad Taste, ya nos mostraba que el tipo la tenía más clara que Sprite.
Lo amé, al punto de querer hacerle un estatua en el jardín de mi casa, cuando vi Criaturas Celestiales...

Después, medio que se nos descalabró... para volver por la puerta grande con la trilogía de El Señor de los Anillos, dándonos la versión fílmica de Gollum..._(delicioso personaje, diría el Señor Burns).

Más tarde, vendría King Kong (No WOW, pero se le perdona), y desde hace rato que escucho la amenaza de Halo, situación que me hace entrar en un cuadro de relativa ansiedad, cada vez que se menciona el tema...

Toda esta cháchara para decir que cuando supe que Peter Jackson, MI Peter...produjo, así con gran alboroto, Sector 9, al punto que todo el marketing se basaba en ¨Peter Jackson, presenta...¨, me dije que la cosa, a fuerzas, tenía que ser de decente para arriba.

Antes me había topado en yahoo con una publicidad que decía: "La nueva pelìcula culto del gènero ciencia ficciòn¨, palabras fuertes...más fuertes que una nueva candidatura a la presidencia de este país. No quise saber nada más...Ondeé la bandera de la ilusión y con la cara pintada de color esperanza, me fui al cine...sí, acompañada de dos sujetos que no tenían ni zorra idea de lo que veríamos, y a quienes atraje bajo la misma excusa de: "no jodan, es un proyecto de Peter Jackson¨.

En tono docu-reportaje, el filme nos presenta una situación que manejada de otra manera pudo rozar el ridículo, pero que gracias a una acertadísima dirección nos hace creer lo inaudito.

Nos encontramos en Sudáfrica, una nave espacial lleninga de alienígenas quedó suspendida sobre Johannesburgo. Era un aparatango, que después de meses de estar estacionado ahí en pleno cielo sudafricano, ante la mirada paranoica del mundo entero, es abordada por humanos. Los crispines entran a la nave y se encuentran con que los bichos están desnutridos, enfermos y en estado deplorable.

Como pasa en la vida y en TNT, deciden trasladarlos a una zona X, que se transforma en el Sector 9. Amontonan a los aliens, que rápidamente se convierten en una especie de damnificados, con todo lo que conlleva.

Esto es narrado mediante testimoniales de gente relacionada a lo que luego genera especialistas en el tema, ya sea sociólogos, científicos, ONGS y otros...

Al tener un look similar al de los langostinos...serán denominados así de forma despectiva, un guiñito a todas esas palabras que el ser humano ha creado en base a características físicas para discriminar al prójimo.

Nuestro protagónico (el que NOS representa) es Wikus Van Der Merwe, un fulano empleado de MNU (Multi-National United), empresa cuyo interés son las armas que los aliens han traído y que sólo pueden manejar mediante ADN alienígena.

En un principio vemos a Wikus como el ñoñazo, ese típico crispín que en la vida real entrega órdemes de desalojo con una sonrisa en la cara, pensando que está haciendo un gran trabajo al dejar en la calle a gente que vive en condiciones desesperadas.

La historia empieza realmente, cuando pasan los años y al estar los bichos hacinados, gracias a las políticas paupérrimas que los líderes de turno decidieron para manejar la situación, experimentan los problemas comunes de la pobreza y el maltrato: violencia, nulo control de natalidad, prostitución, contrabando...etc...
En la vida real, qué sucede?

No, nadie dice pongan escuelas, aliméntenlos, denles mejor calidad de vida, paren la discriminación...claro que no, aquí no es diferente...se llega a la ¨feliz¨ conclusión que el Sector 9 tiene que ser relocalizado, las condiciones serán peores...pero lo que desean es librarse de los ¨langostinos"..que les salga barato y que no los tengan delante.

Por otro lado, está Christopher (su nombre de esclavo, podríamos decir) un alien que representa a todos esos seres marginados que sueñan con la emancipación, el retorno al hogar y el deseo de ayudar a su gente a salir de tanta miseria.

Tenemos al personaje antipático: Wikus; tenemos al personaje por el que podemos sentir empatía: Christopher; tenemos científicos oportunistas y líderes que se moverán siempre de acuerdo a sus intereses; tenemos una sociedad convulsionada por la presencia de estos seres diferentes a los que nadie acepta, ni da la bienvenida; tenemos a Sudáfrica como escenario, sudáfrica símbolo del apartheid, lugar de nacimiento del director del filme...

El docu-reportaje agarra el airecito a película de acción como a la mitad de la trama, no sin dejar los tintes dramáticos ante los vejámenes a los que son sometidos los "langostinos".

Imposible no conmoverse ante la escena del hijo de Christopher, cuando pregunta por su padre...o habla con añoranza del "hogar".

El ritmo es in crescendo, al principio si has ido con otras expectativas, te parecerá todo muy aburrido y monótono, pero ese tiempo es necesario para pintar los personajes. Más adelante...cuando la cosa empieza a subir, sube en serio, sufrís con los protagonistas y maldecís 100 veces a los militares que controlan el área, preguntándote internamente por qué nadie recibe a un Langostino en su casa, adopta a uno de esos seres o lo ayuda a componer la pinche nave.

Todo contado de manera precisa, sin pretensiones, sin planos que dicen:¨Mirá, estudié cine¨. Lo que ha hecho Neill Blomkamp, el director, es traer un soplo de frescura a un género abarrotado de historias superficiales, vacías, cuyo único objetivo es entretener. Que no está mal, pero se agradece si dicho entretenimiento viene acompañado de una férrea crítica al sistema.

Que le pongo unos cuantos peros, como por ejemplo que a pesar de tener un contenido súper interesante, tampoco consigue hilar del todo el argumento para hacerlo más potente, es cierto. Que el final, abierto como una puerta de hangar, nos hace adivinar que habrá segunda parte o que por lo menos eso se espera, es cierto también, cosa que no me entusiasma. Que hay detalles tiradísimos de los pelos (dentro de lo irreal de la trama), que caen en el lugar común, no lo vamos a negar tampoco...pero por encima de todo, es una propuesta arriesgada, llamativa, bien filmada, bien actuada...que nos devuelve la fe en el género, las ganas de vivir y la ilusión de que vendrán tiempos mejores.

Con un presupuesto bajo para un filme de este tipo (apenas 30 millones de dólares), los efectos especiales que a algunos les parecen pobres, a mí me parecieron muy buenos, y claro...el director es un experto en 3D, así que aquí no podrá aplicarse el dicho de en casa de herrero, cuchillo de palo.

Sharlton Copley que encarna a Wikus resulta una sorpresa, ya que es un actor desconocido, pero que en este rol demuestra tener un gran talento y a quien, definitivamente, valdrá la pena volver a ver en el futuro.

Sector 9, una muy buena película. De lo mejorcito del año, que hará palidecer a más de uno con el festín de sangre y despelote de sus minutos finales. Pero que sobre todo, a través del drama de los Langostinos, nos recuerda lo peor del ser humano...esa naturaleza propensa a categorizar la especie de acuerdo al color de piel, a la nacionalidad, a la religión. Esa faceta ruin que en sus peores momentos hizo que alguien como vos, o como yo, se atreviera (sin ascos) a colgar letreros que rezaban: ¨Prohibida la entrada a perros y judíos¨...

CURIOSIDADES

District 9 desarrolla la idea que Blomkamp ya filmó en su primer cortometraje, Alive in Joburg, rodado en 2005.

Blomkamp estaba trabajando con Jackson en la adaptación de HALO, película basada en un famoso videojuego, pero desgraciadamente el proyecto se truncó y Jackson decidió apoyar a Blomkamp en este proyecto.

El 60% de Sector 9 está filmada con la cámara RED ONE, el otro 40% es una mezcla de SONY EX1 y otras cámaras digitales como HS100 o SONY F950 para las tomas áreas.

El director tiene tan solo 29 años, y ha filmado numerosos cortos, spots televisivos y algún videoclip.

El actor que interpreta a Wikus, es amigo de la infancia del director y hasta fue productor del corto en el que se inicia la idea del filme.

La filmación se hizo en una locación perfecta en Tshiawelo, en las márgenes de Soweto. Lugar similar a una favela, donde las autoridades locales desplazaron a los residentes a 20km del lugar, destruyendo sus chabolas. La basura, los alambres de púas, eran ya parte del sitio.

Lo mejor: fresca y muy bien lograda
Lo peor: cae en algunos lugares comunes
La escena: toda la secuencia del alien niño que pregunta por su padre y lo que sigue después
Lo más falsete: la conversión (no digo más)
El mensaje manifiesto: El ser humano puede ser muy hijo de puta.
El mensaje latente: Lets go out from this planet
El consejo: Hay que verla.
La pregunta: ¿Una segunda parte, irá a dar la talla?

EXTRAS

DUPLICITY:
Película protagonizada por Julia Roberts y Clive Owen. El director es Tony Gilroy, el mismo crispín que nos mareó con Michael Clayton (su ópera prima) y también el mismo infeliz que hizo los guiones de Armageddon, Prueba de vida (Asco, asco, asco), El Abogado del diablo, y todas las Bournes. Aquí es director y guionista. La idea es la siguiente, Julia es ex agente de la CIA, Clive es ex agente del M16, se conocen, se encaman y se inicia una relación llena de desconfianza mutua y de rivalidades. Ella comienza a trabajar para una importante empresa farmaceútica y él es contratado por la competencia para averiguar la fórmula secreta. ZzzzzZZZZZzzzz al principio no está mal, pero los intentos de ¨sorprender¨ se vuelven demasiado chapuceros. Una película entretenida a ratos por la solvencia de sus protagonistas y actores secundarios, pero que entre tanta cosa oculta, pierde verosimilitud. El giro final nos hace pensar que más que peligrosos agentes de inteligencia, son un par de pelotudos.

LA DECISION MAS DIFICIL: NIck Cassavetes es el hijo de John Cassavetes, conocido actor y director hollywoodense. A cargo de Nick, estuvo la dirección de John Q., donde Denzel Washington tomaba un hospital de rehén para que le hicieran un transplante de corazón a su hijo. También dirigió la archiconocida NoteBook (Diarios de una pasión) que sorprendentemente aún no veo completa...Es ineludible su vocación por lo lacrimógeno, y aquí lo confirma. La decisión más difícil pudo ser un filme que reinvindicara un tema harto manoseado, pero Nick se va por el lado fácil. No hay que negar que el conflicto planteado, en un inicio consigue enganchar. Familia americana promedio, descubre que su pequeña hija tiene cáncer, un cáncer muy agresivo, al no ser compatibles...tienen un bebé in vitro diseñado genéticamente para que pueda servir de donante a la hija enferma. La historia arranca cuando la hermana donante ya tiene como 11 años, la enferma de cáncer entre 16 a 18, y la donante busca a un abogado para emanciparse médicamente de sus padres. La situación de la enferma hace necesario un transplante de riñón, y la hermana donante ya no quiere ser sometida a procesos quirúrgicos. Contada a través de una fotografía muy lograda, nos golpea la dureza del tema. Muy bien actuada por Cameron Diaz, y una sorprendente Sofia Vassilieva (conocida por ser una de las hijas del personaje de Arquette en la serie Medium) en el papel de la cancerosa, no está mal...

Tiene escenas muy lindas, aunque termina convirtiéndose en ese tipo de filme que quiere buscar ya no la lágrima, sino el llanto a moco tendido...demasiado musicalizada para mi gusto, buena en su factura, pero le sobran como 15 minutos y una ¨vuelta de tuerca¨, que vuelve algo arriesgado en más de lo mismo.

LA CRUDA VERDAD: La crítica especializada ha deshecho esta película, diciendo que es boba, que no es cómica, que no vale el dinero de la entrada y que el DVD para lo único que servirá será para posavasos. Hoy, doy un paso al costado y digo sin rubores que La cruda verdad, me entretuvo y me hizo reír. Ajá. No es nada nuevo bajo el sol, se asienta en todos los clichés del género comedia romántica, se va al chancho al final, pero qué carajos...me hizo reír y eso ya es suficiente. Protagonizada por Katherine Heigl y Gerard Butler (el de 300), Katherine da vida a una productora de TV ñoñaza, que gracias a sus pequeñas obsesiones no consigue tener pareja. Gerard Butler es un conductor de TV, tiene un programa llamado La cruda verdad, donde despedaza las relaciones románticas y da por sentado que cualquier intercambio entre hombre y mujer está basado en el sexo, en el sexo y en el sexo. Teniendo a su cargo una frase que será una revelación para algunas: LOS HOMBRES SON SIMPLES.

Para pasar un rato medio boludo, pero que arrancará una que otra risita culpable.

PRESAGIO: Conocida también como Señales del Futuro, esto pintaba bien. Dirigida por Alex Proyas, a quien le agradezco profundamente El Cuervo y Dark City...Proyas el 2004 hizo Yo, Robot (parece que fue ayer!) y ahora, 5 años después regresa con Knowing...su título en inglés. Para dicho trabajito contrata a Nicolas Cage, actor al que le tengo una antipatía inexplicable...que se extiende a Clive Owen, a quien veo emputantemente parecido. Bueno, resulta que Nicolás Cage tiene su hijo, en la escuela de su hijo habrá un acto para desenterrar unos dibujos que hicieron niños de la misma escuela, hace 50 años, sobre cómo sería el futuro.

Uno de esos dibujos (el que le toca a su hijo), son números que representan tragedias que han sucedido a lo largo de ese tiempo. Catástrofes, unidas al número de muertos...nuestro avispado personaje, interpretado por Cage, empieza a obsesionarse al descubrir el hallazgo. De ahí todo comienza a desmoronarse como un castillo de naipes, agarra tintes mesiánicos y hacen que uno se pregunte en la oscuridad, si lo que se fumaron no les hará daño en el futuro. Entretenida, pero nada más.

THE TAKING OF PELHAM 1 2 3: Empezaremos diciendo que esto es un remake, y yo odio los remakes. La original es de los 70s y Tony Scott (hermano de Ridley) pensó que él era el más apropiado para darnos una nueva versión.

Tony nos ha dado películas como Top Gun (con Tom Cruise), El fan (Robert De Niro y Wesley Snipes), Spy Game (Brad Pitt), True Romance (de sus mejorcitas) y Man on fire (denzel Washington y Dakota Fanning) entre otros...

Ahora repite Denzel Washington y convoca como antagonista a John Travolta. Con un montaje frenético, el filme se vuelve predecible, ñoño y con diálogos entre Denzel y John, más falsos que una respuesta del Miss Bolivia.

Denzel Washington es un controlador de metro, y John Travolta un delincuente que decide tomar de rehén todo un vagón buscando dinero. El conflicto es así de sencillo, y el guión es tan vacío que Tony Scott lo maquilla bajo una edición que a pesar de su caótico ritmo consigue aburrir a quien desesperadamente intenta encontrarle un sentido al sinsentido.

Boba, por decirlo suavemente...una película que a pesar de tener mucho dinero invertido y contar con un gran elenco, no pasará a mayores.

"Recen y disparen"
Por: Mónica Heinrich V.


Se quedan allí ladrando, 26 perros...veo sus rostros diabólicos, vinieron para matar...

Así comienza una de las mejores propuestas animadas de los últimos años: Vals con Bashir.
Me habían recomendado bastante esta película, así que ahora que estoy con más tiempito y el oscuro mundo laboral no pone cadenas a mis tobillos ni vendas a mis ojos, pude verla.

Se trata de un filme atípico, que ha creado un nuevo género. Es una animación en tono docu-ficción, con una técnica diferente...cuyos dibujos mezclan animación clásica, flash y 3D.

En 1982, se llevó a cabo la masacre de Shaba y Chatila. El hecho, vergonzoso por donde se lo mire, acabó con la vida de un número indeterminado de civiles (se hablan de más de 3000) en su mayoría mujeres, niños y ancianos.

Ari Folman, el director de origen israelí, estuvo en las Fuerzas de Defensa Israelíes con 19 años, y como testigo presencial del hecho, no pudo olvidarlo... al punto que crea de manera poética y conmovedora Vals con Bashir.

El filme, ganador del Globo de Oro a Mejor Película Extranjera, entre otros premios...parte con un relato autobiográfico donde el protagonista es el mismo director, Ari Folman...que en un bar, mientras un amigo le cuenta las pesadillas recurrentes que tiene acerca de la guerra, con los 26 perros mencionados al inicio de la nota; reactiva su memoria sobre la masacre de Shaba y Chatila, y empieza a buscar respuestas entre sus excamaradas, psicólogos expertos en traumas y periodistas.

La Guerra del Líbano, que Israel llamó Operación Paz para Galilea, surgió en 1982. Se trataba de un conflicto de larga data, para variar relacionado con esa sangrienta rencilla entre palestinos e israelíes.

El Líbano, sumido en una cruel guerra civil, invadido por Israel y Siria, eligió como presidente a Bashir Gemayel, un alto mandatario del partido Falange Libanesa y comandante de las milicias libanesas. Bashir es asesinado con 26 personas, un mes después de su elección. El autor material es arrestado, aunque nunca se supo a ciencia cierta a qué grupo representaba.

Dos días después, en venganza, las fuerzas libanesas perpetratron la masacre de Sabra y Chatila (campo de refugiados palestinos), con la venia de las fuerzas israelíes que rodearon la zona mientras los falangistas asesinaban, violaban y desaparecían a civiles indefensos.

Folman, el director, consigue contar el horror con una mirada desgarradora, dotada de una conmovedora belleza (si es se puede encontrar belleza en el horror) argumental y visual.

En un periplo que lo lleva a buscar testimonios de ex camaradas que compartieron con él el cerco a Sabra y Chatila, Ari Folman nos muestra más que la guerra en sí, lo que la guerra deja. Hombres atormentados con recuerdos, otros cuyas memorias se han borrado espontáneamente como mecanismo de defensa contra lo insoportable. Muertos que no encuentran paz y que viven en el recuerdo de sus asesinos.

En flashbacks, vemos también, batallas, disparos en la oscuridad, el miedo carcomiendo a un hombre que fue entrenado para morir, bengalas que iluminan un Beirut destruido por las bombas, shoppings saqueados, aeropuertos en ruinas, viudas gritando, Folman nos transporta por un pasillo que huele a muerte y que hace que desesperadamente busqués el control remoto para poner Pausa.

Recuperándote un poco, podés continuar. Seguir el recuento monótono de hechos aberrantes, y llegar al final...donde Folman quita el artificio de la animación y nos da imágenes reales, la masacre ante nuestros ojos, la desgracia, lo terrible...tan terrible que no se puede poner ningún texto de fondo, sólo imágenes...llanto, gritos, imágenes...el dolor.

Brillante y portentoso filme, que una vez visto se queda en la retina de forma imperecedera, una joyita, que regala escenas tan bellas que quedan ganas de entregarse al llanto...todo esto matizado con una banda sonora, donde se mezcla una apabullante música clásica, temas conocidos de los 80s y música especialmente creada para el filme. Tan acertada musicalización hace que la banda sonora cumpla un papel casi protagónico.

Y claro está, un argumento que te hace pensar en todas esas absurdas guerras que se están librando en este momento, genocidios y masacres en nombre de Dios, de la raza, de la ideología política, y en las cifras de aquellos soldados que van a pelear por su ¨patria¨, y regresan a su hogar en cajones o con un trauma tal que acaban por quitarse la vida.

Vals con Bashir, una alegoría desgarradora a lo que queda después...lo que queda después...del terrible silencio de la muerte.


Lo mejor: Visualmente espectacular y conmovedora

Lo peor: El desasosiego que te deja

La escena: La de los caballos, la del vals, el final...el comienzo también, este es un filme con varias escenas memorables.

Lo más falsete: Nada

El mensaje manifiesto: La guerra lo destruye todo

El mensaje latente: La guerra no es la paz del futuro

El consejo: Es una OBLIGACION verla

La pregunta: ¿Qué nos dará Folman después de semejante debut?

CURIOSIDADES

Tardo 4 años en realizarse.

Folman primero montó la película en video, antes de pasar a la animación.

7 de los 9 personajes principales que aparecen en el filme son reales, y responden al mismo nombre y a la misma ocupación que sale en Vals con Bashir.

Ha servido como una especie de autoterapia para el director.

Folman ya había participado en varios documentales menores.


EXTRAS

DESTINO FINAL 3: Fui a ver esta huevada, por el temita de los lentes 3D. Empezaremos diciendo que es exactamente la misma cagada de las anteriores entregas, lo único que cambia son los crispines y las situaciones, pero si ya has visto las anteriores, asistirás con aburrimiento a la repetición por n vez del argumento. Ni siquiera los lentes 3D, consiguen hacerla zafar. No digo que no tenga uno que otro momento que sobresalte, y que te haga sentir que un tornillo está a punto de perforarte el ojo, pero aparte de eso nada. Protagonistas tan carismáticos como Barbie y sus amigos, dan vida a un grupo de crispines que están viendo una carrera de autos. Uno de ellos comienza a tener una visión sobre un accidente en el que van a morir todos. Rápidamente avisa a los otros, y despúes de un semidespelote salen, discuten y mientras discuten la predicción se cumple. Ahora todos los que se salvaron de la muerte, serán perseguidos por ésta...porque acordémonos de que CUANDO TE TOCA, TE TOCA...hmmm sí, filosofía profunda.

HEROES (Push): Entretenida película, en la que destacan sus hermosas locaciones, su excelente fotografía y un trabajo actoral de Dakota Fanning muy aceptable. Aunque la peli termina por irse medio al chancho con tanto desfile de efectos y cosas raras, McGuigan (el director, que debutó con Lucky Number) es un buen director. No lo acompaña, esta vez, como en su ópera prima, un argumento que consiga mantener el nivel hasta el final. Sin embargo, no es una película para odiar. El argumento gira en torno a seres que por x o z motivos tienen poderes especiales, distintos gobiernos intentan capturar o reclutar a aquellos que les puedan ser más útiles. El gobierno americano, a través de La División creó una poderosa droga que hace que dichos poderes aumenten. El problema es que hasta ahora ninguna persona ha resistido la inyección. Eso hasta que una ¨controladora" lo hace y gracias a una "vidente" consigue escapar de donde se encuentra recluida. Es ahí donde comienza la aventura...hmmm...no es WOW, pero puede entretener un rato, aunque a partir de la mitad el tedio llegue a la platea ante tanto artificio.

martes, noviembre 23, 2010

Beksiński
Por: Mónica Heinrich V.

El otro día descubrí a Zdzisław Beksiński y se convirtió en uno de mis fetiches. Directo desde Polonia, que siempre ha sido cuna de impresionantes artistas, Beksinski es uno de los pintores más representativos de ese lado del mundo. El tipo transitó por varias ramas, fue fotógrafo, dibujante (tiene una colección de dibujos relacionados al sadomasoquismo IMPRESIONANTES) y pintor. Es en esta última faceta donde destaca, sobre todo por su periodo de "realismo fantástico", de donde extraje las imágenes de este post.

La mayor parte son de los años 80s o principios de los 90s. En esa etapa su fijación fueron los detalles, y cada pintura tenía elementos dibujados muy muy en detalle, incluso en la galería virtual del susodicho, paseamos por todas sus obras con la opción de hacer un zoom a las partes más elaboradas.
Como se puede apreciar, la visión de un mundo apocalíptico y decadente era parte del estilo de este gran maestro polaco. En el principio de su carrera podía pintar hasta 40 cuadros al año, ya al final apenas alcanzaba los 15 o 20.

Detestaba el silencio, por eso siempre pintó acompañado de música clásica. A finales delos 70s se dice que quemó una importante parte de su obra, sin dejar referencia alguna de lo que había destruido. En su momento dijo que las pinturas destruidas eran demasiado personales y deseaba que nadie las viera nunca.
Su vida personal no estuvo exenta de dramas. Su esposa murió en 1998, y en las navidades de 1999 su hijo cometió suicidio, siendo el mismo pintor el que encontraría el cuerpo. La desgracia no lo abandonó y en el 2005 fue apuñalado hasta morir por el hijo adolescente de su cuidador. Aparentemente el asesinato se debió a que el pintor no quiso prestarle 100 $us.
Los cuadros de Beksinski nunca tuvieron título o nombre, y es en esa muda contemplación de colores que uno queda arrobado. Hay una fuerza, un desgarro perceptible en cada trazo...y eso que el tipo creía que su obra era optimista y llena de humor. Un pintor para tener en cuenta, tan en cuenta como lo tuvo Guillermo del Toro (director de El Laberinto del Fauno y Hell Boy) para inspirarse en sus creaciones.

MIL MUNDOS
Por: Mónica Heinrich V.

No soy una persona religiosa, la religión siempre me ha parecido un cúmulo de dogmas impuestos por personas que creen tener la verdad de su parte. ¿Qué diferencia puede existir entre un Dios judío, musulmán, católico, budista, etc.? Puede que exista un ente superior, lo que diferencia en cómo lo perciben unos de otros se basa en algo tan azaroso como la cultura, el espacio geográfico, la educación y las vivencias personales. Dos mundos es una película danesa que nos trae a colación el viejo tema de las diferencias religiosas con todo lo que esto conlleva: intolerancia, soberbia, etc..

Hace varios años leí una diatriba epistolar entre Umberto Eco y el cardenal Carlo María Martini condensada en el libro ¿En qué creen los que no creen? Martini respondía por la Iglesia Católica y Umberto Eco cuestionaba aspectos como la prohibición de los métodos anticonceptivos, el aborto, las relaciones pre-matrimoniales, y otros; el cardenal apelaba a la Fe, a la ética y a los valores que se consideran puros e incorruptibles dentro de toda religión. Después de páginas y páginas de idas y venidas, se llega a una conclusión tácita: podés creer lo que querrás, siempre y cuando respetés al que no tiene tus mismas creencias.

En este caso, por un lado tenemos a Sara, 17 años, Testigo de Jehová, y por otro lado a Teis, 23 años, ateo. El argumento está basado en hechos reales, y en los foros sobre la película se pueden leer a más “afectados” por una situación similar. Dos mundos arranca cuando los padres de Sara deciden divorciarse. Papá fue adúltero y mamá no pudo perdonar la traición. Los tres hijos deben decidir cuál de los dos se queda con la casa y con ellos. La decisión me parecía obvia: padre cholero AJUERA! Pero resulta que basándose en sus teorías religiosas, deciden que por lo menos el padre se arrepintió y la madre está pecando de soberbia-egoísmo al no perdonar a la oveja descarriada. Eso será sólo el comienzo, una vez Sara conoce a Teis, todo el ordenado y dogmático mundo en el que vive se viene abajo.

Vemos cómo hay dobles discursos en cosas tan simples como no ser egoísta o dar el perdón, mientras ignorás y dejás de ver a personas amadas que son “expulsadas” de la congregación por cometer faltas como leer un libro prohibido, vivir con un chico sin casarse, etc.. A título de Dios se pueden hacer y decir muchas cosas, tanto del lado creyente como del no creyente. Sara, rápidamente se ve obligada a tomar decisiones que van contra aquello que le inculcaron desde que estaba en el vientre. Dichas decisiones traerán consecuencias para todos.

Una vez aparecen los créditos nace una reflexión interior sobre lo visto. Caminos ante la disyuntiva planteada en la situación de Sara, después de todo ser el “outsider” del grupo en el que te has criado-vivido no es fácil para nadie. Dar la espalda a tu familia, darte cuenta que no es tan sencillo como parece, intentar cambiar conceptos tan arraigados que es casi imposible cambiar…y seguramente escenas polémicas para los Testigos de Jehová que son los que se llevan la peor parte, moverán a más de una polémica.

Hay de todo y para todos, dirían en Telepaís. La temática es muy jodida, porque en una historia simple y básica como la de la adolescente Sara que tiene que replantearse su fe en nombre del amor, está la semilla de todos esos conflictos que asolan al mundo, conflictos que hacen que la gente se mate o se odie por adorar a dioses distintos y tener dogmas incompatibles unos con otros. Levantar muros, construir campos, inmolarse, y mil cosas más en nombre de una fe.

A destacar las excelentes actuaciones de todo el elenco, sobre todo de la joven Rosalyn Mynster, interpretando a la confundida Sara. Bonita fotografía, buena musicalización, y en general un producto final bastante logrado.

La película está muy bien planteada, tanto en su argumento como en su dirección. Niels Arden Oplev director danés de las Trilogía Millenium (la saga de Stieg Larsson) dirige con mesura y pulcritud una película que si no se tiene el cuidado necesario puede bordear el panfleto. No obstante, desde mi punto de vista el cierre un tanto drástico de una temática crítica con los extremos, el dogmatismo, y la inflexión, se vuelve un punto más de lo ya mencionado.

El director vio la historia en un periódico nacional en el 2006 y supongo que se produjo ese momento mágico que sólo vivís cuando sabés que estás ante “LA” historia. El personaje real se llama Tabita, y en el filme aparece al final cuando Sara se encuentra en el tren.

Dos Mundos fue una de las películas más taquilleras en Dinamarca durante el 2008 y fue también la elegida para representar a dicho país para aspirar al Oscar como Mejor Película Extranjera. Tiene todos los elementos para ser digna de consideración. Un filme danés de buena factura que plantea un argumento polémico, pero necesario. Esta película se exhibe en el marco del Festival de Cine Europeo este miércoles, consulten la cartelera!

Lo mejor: Muy bien filmadita, interesante y con un argumento necesario

Lo peor: el drástico final es un extremo más

La escena: el diálogo final entre padre e hija

Lo más falsete: hmmmm

El mensaje manifiesto: La libertad no consiste en cambia de collar, sino en dejar de ser perro

El mensaje latente: El libre albedrío es una realidad

El consejo: Vela, está buena

La pregunta: ¿qué será de la vida de Sara?

La Bombita
Por: Mónica Heinrich V. Acabo de terminar de ver los Oscar y tal como le predije a gente allegada, era más que seguro que The Hurt Locker iba a arrasar hasta con las servilletas. Esto por dos buenas razones: 1) Es una película que dado el contexto social y político que vive USA actualmente es políticamente correcta. Toca la fibra más sensible de los americanos, echando una mirada que pretende ser honesta al corazón de soldados americanos, no toma partido por nada abiertamente, se podría decir que la postura es tibia, aunque la explicación se relaciona con lo “humanista”.

Ver a los soldados como gente que está ocupada en sobrevivir o en seguir adelante con la “misión”, que mostrarlos cuestionándose motivos y 2) Está bien filmada. Hay una propuesta casi semidocumental, cortesía de algunas cámaras de 16mm usadas para impregnarle mayor realismo a escenas movidas.

Si bien The Hurt Locker no será la mejor película sobre la guerra que se ha filmado, tiene una primera mitad muy bien lograda. Está dirigida con sobriedad y sin pretensiones, intentando enfocarse en la historia. En este caso el argumento gira en torno a un grupo de soldados en Irak. Un escuadrón que desactiva bombas. El protagonista es el sargento Will James (Jeremy Renner) un sujeto que ha desactivado tantas bombas y se ha encontrado tantas veces al borde de la muerte que le ha perdido el respeto al peligro. Parece disfrutar la adrenalina, incluso puede parecer suicida, pero el personaje más que suicida o loco, navega en una especie de nomeimportismo.

Ese es el punto básico, un adicto a esa situación, al estar frente a una bomba con un 50% de sobrevivir y un 50% de morir. A pesar de tener mujer y descendencia, nuestro rancio soldado americano se verá obnubilado por los sinsabores de la cruenta batalla.

La guerra, es una droga, dicen al principio. Y no sólo una droga, sino un negocio muy lucrativo, quizás el más lucrativo. Pero eso sería otra película, ahora hablamos de The Hurt Locker y de los soldaditos americanos queriendo vivir la adrenalina de matar irakíes y no ser destruidos por kamikazes.

Los grandes aciertos de The Hurt Locker están en sus aspectos técnicos, buena fotografía, buen montaje, con una propuesta de estilo interesante. Minimal, precisa, sobria. Desprovista de artificios a nivel visual. Bien actuada, bien musicalizada, bien dirigida. Sí. No hay que negar los puntos fuertes de la película estrella de los Oscar 2010.

Los grandes desaciertos están en situaciones inverosímiles que nos muestran soldados con actitud naif, que nunca se dan cuenta que han invadido un país y cuya capacidad de reacción ante varios acontecimientos presentados dentro del argumento, es casi ridícula.

O sea, todo bien mi querida Kathryn Bigelow, pero es difícil creer que un auto va a pasarse descaradamente por medio de un escuadrón sin que nadie dispare ni una bala, es difícil creer que los irakíes se van a poner en los techos de sus casas sin ningún disimulo a darse indicaciones entre sí, delante de los gringos, para detonar una bomba. Es difícil de creer que un escuadrón que se topa con el grupo de Ralph Phiennes en el desierto, se va a poner a charlar con él como si estuvieran en una Burger King. Y así sucesivamente.

No obstante la película se deja ver. Con ritmo pausado, pero no carente de emoción tiene muy buenos momentos. A destacar la provocación conseguida en algunas escenas, donde se insinúa que algo pasará, que algo está por romper la rutina, y no sucede nada.

A partir de la mitad, la trama se hace más artificial, menos real y va resquebrajándose para entregarnos un producto aceptable, pero muy lejano a ser llamado la mejor película del año. Repito NO es una mala película, es una película aceptable, digerible, pero que no aporta nada nuevo al género, que está rodada con buenas intenciones y que llega en un momento que USA necesita ver este tipo de historias, carente de cuestionamiento real acerca de la brutalidad de la guerra. Se podría decir que es condescendiente. Es un filme comercial, con tintes de cine de bajo presupuesto, pero que no deja de ser comercial.

El personaje adicto a la adrenalina, me recordó al conejo de un cuento de Galeano, aquel que al abrirle la jaula, se quedaba pegado al fondo con miedo a la libertad.

The HurtLocker ha ganado todos los premios habidos y por haber, hay quienes se sorprenden que sobrepase a Avatar. No podía ser de otra manera. Amén de sus caros efectos especiales, Avatar resulta una película entretenida, aunque para algunos (pocos parece) carente del factor Wow, estando destinada a provocar el Wow.

Sobre la guerra de Irak se seguirán haciendo películas. Algunas como esta, evitando el panfleto. Otras como Kimberly Pierce (directora de Boys dont cry) intentarán contar en filmes como Stop-Loss, la realidad de miles de soldados que NO quieren volver a esa adrenalina. A esos soldados que son llamados desertores, perseguidos por su propio gobierno, ejecutados civilmente, y puestos en la cárcel quitándoles todos sus beneficios si deciden no regresar a ese infierno. Historias, hay un montón.

The Hurt Locker es la película del año. La guerra, mientras tanto, sigue descarnada al otro lado del charco. Me pregunto qué pensarán los soldaditos por las noches.

Lo mejor: Muy bien filmada y se deja ver
Lo peor: el guión se cae después de la mitad
La escena: cuando se ve el montón de pedazos de bomba que guarda de souvenir, también la del niño que vende DVDs.
Lo más falsete: las escenas de peligro no estaban bien logradas
El mensaje manifiesto: La guerra es una droga
El mensaje latente: El cine comercial anda medio desvencijado
El consejo: Vela.
La pregunta: ¿cuánto habrá que esperar para que un director jodido exhiba una película sin autocomplaciencias de la invasión a Irak-Afganistán?

CERO MUCHISMO
Por: Mónica Heinrich V.

De manera muy narcisista me siento directamente afectada por la segunda gran decepción del año: Alicia en el país de las maravillas. No sé cómo Tim pudo HACERME esto. Sí, Tim con quien llevamos una estrecha relación desde El Joven Manos de Tijeras, pasando por Beetlejuice, Ed Wood o El cadáver de la novia. Tim a quien le perdoné El Planeta de los Simios, Mars Attacks y la HORRIBLE Charlie y la fábrica de chocolate. No sé, no sé porqué Tim ME traiciona de nuevo.
O mejor dicho, sí sé. Esto sucede cuando se juntan Serrat y Locomía. En este caso, Tim Burton (director) y Disney. El resultado es lo que es. Un filme de Disney, que lleva la firma de Burton pero que muestra la parte más light y sosa de Burton, o sea… lo firme quien lo firme es básicamente un filme Disney.

Esto no sería malo, si no fuera porque Disney ya sacó una versión animada más que digna y mágica hace muchos años, un clásico de la animación, por lo que su propuesta disneyfila de Alicia en carne y hueso, resulta muy paupérrima y visto lo visto, porque las “esferitas” podrían bifurcarse en opiniones, es un filme intrascendente.

Iba a hablar de Lewis Carroll, de la pedofilia, de los sueños farmacológicos, de las postales que venden en Oxford ilustradas con Alicia…iba a hablar de espejos, de mi disfraz de Alicia, de Alice Liddley, de Alicia Munro, del Alice Game (hmm eso me recuerda que debo hablar de Rozen Maiden prontito) de muchas cosas más, pero eso era antes…cuando en mi mente ilusionada visualizábaME en la sala 3 del Cine Center con mis lentes 3D viviendo tórridas y burtonianas aventuras.

Ese fue el primer error. Los lentes 3D. Aún no descubro a quién dirigir mi carta reclamando los 10 pesos que pagué de más por ver Alice in Wonderland en 3D. No puedo recordar una película en la que el 3D sea más innecesario y caprichosamente incorporado que en esta. El filme funcionaría exactamente igual sin los lentes.

En una versión muy libre del relato original (que no me dan ganas ni de discutirlo, hay muchas Alicias, y esta Alicia es otra Alicia, pero una Alicia al fin y al cabo) el filme comienza mostrándonos primero al padre de la individua, un visionario. Es ahí cuando Alicia niña y ñoña, entra a escena.

Todo bien, aun no había ni lágrimas ni resentimiento ni firma de papeles de divorcio con Tim. Luego Alicia joven, ñoña y ANNOYING (fastidiosa) se presenta. De la manera más aburrida del mundo, nos hacen ver que esta tipa es “diferente”, “especial”, ZZZZZZZZZZZZzzzzzzzZZZZZZ …mucho despliegue técnico para vendérnosla como semi-feminista y poseedora de una particular visión de la vida y el mundo.

Luego lo ya conocido, conejito blanco, vení que te agarro, pozo, piso, caigo, querida encogí a los niños, querida agrandé a los niños, Johnny Depp que vuelve a repetir como caricatura, y lo único más o menos cómico Helena Boham Carter como la Reina Roja.

El argumento es que Alicia estuvo en el inframundo cuando era niña, los recuerdos se borraron de su mente, aunque siempre tenía los mismos sueños relacionados con el hecho. Luego, con 19 años y a punto de ser pedida en matrimonio por un desagradable sujeto, vuelve al inframundo con la finalidad de devolverle la corona a la Reina Blanca (Anne Hathaway).

Si les suena aburrido epes poporquepe lopo epes. El guión está a cargo de Linda Woolverton que es autora también del guión de El Rey León y La Bella y la Bestia. Hmmm generalmente filmes animados, creo que el proyecto le quedó grandecito a esta individua.

Burton exhibe una Alicia (incorrecta al principio, incorrecta al final) donde el despliegue visual es todo aquello que soñábamos cuando veíamos los avances de las fotos, y hago hincapié en el bellísimo vestuario que encontré jodidamente bueno. Más nada.

Imagen y trapos no alcanzan para cubrir un guión sosito, pobremente presentado, donde una historia como la tejida por Lewis Carroll no tiene absolutamente nada de genio creativo…no hay riesgos en el montaje, no hay riesgos en la propuesta, no hay riesgos ni siquiera en la música que tiene de canción principal un tema INSIPIDO cantado por Avril Lavigne. Alicia, nuestra querida Alicia, es una tipa convencional en un mundo convencional, maquillado con efectos especiales, imponentes escenarios y alta costura.

El señor Burton (porque ya me rayé) vuelve a fallar, y comete los mismos errores que en Charlie y la fábrica de chocolates. Dirige para un estudio una película poco memorable, grandilocuente a nivel visual pero muy pobre en contenido.

Entretendrá a algunos, aburrirá a otros, mientras que habremos unos cuantos que seguiremos esperando a la Alicia correcta, a la verdadera Alicia, una Alicia que puede haber sido esa Alicia, pero no es. La Alicia Alicia, prima hermana de Alicia Carroll. No es que sea exigente y necesite UNA sola Alicia, pero quiero una Alicia que me enamore, quiero una GRAN Alicia.

La que vi en el cine es Alicia Burton, y Alicia Burton no me gusta, es sosa y aburrida. ¡Que le corten la cabeza!

Lo mejor: Vestuario y aspectos estéticos
Lo peor: cero muchismo
La escena: donde aparecía la reina roja…que más o menos hacía reír.
Lo más falsete: la verdad que se sentía muy artificial
El mensaje manifiesto: No es nomás filmar adaptaciones, hay que tener un toque para lograr buenos resultados.
El mensaje latente: Burton, hace rato que no nos das nada impresionante
El consejo: Ahórrate el 3D, no lo vale
La pregunta: ¿qué sigue?

miércoles, noviembre 17, 2010

FESTIVAL DE CINE EUROPEO

Señores! nuestras plegarias han sido escuchadas, y hasta el 25 de noviembre podremos acceder a películas de lujo. Al fin, abandonaremos el cine made in hollywood para ver buenos filmes.

El Grupo Europeo de Cultura, conformado por la Delegación de la Comisión Europea en Bolivia, las embajadas de la Unión Europea y la Confederación Suiza, organiza onceava edición del Festival de Cine Europeo, gestionado por Fundación Imagen. Esta versión del Festival llegará por segundo año consecutivo a todos los departamentos del país, ofreciendo una programación de más de 25 películas provenientes de 9 países, además de actividades paralelas organizadas con el objetivo de promover la cultura cinematográfica en nuestros contextos.

Realmente vale la pena que se den una vuelta por algunos de los centros de proyección, encontrarán más información en http://www.cineeuropeobolivia.org/. Hay actividades paralelas, talleres y otros que le dan un valor agregado a este festival de cine. La cartelera tiene como opciones películas buenísimas como Dejame Entrar, Soul Kitchen, Kebab Conection y otros!

Una iniciativa para sacarse el sombrero y que cada año se pone mejor.

Centros de proyección

Ciudad: Cochabamba Lugares: mARTadero, Instituto Cultural Boliviano Alemán (ICBA), Alianza Francesa, Cine Center

Ciudad: Sucre Lugares: Archivo y Biblioteca Nacional de Bolivia, Instituto Cultural Boliviano Alemán (ICBA), Alianza Francesa

Ciudad: La Paz Lugares: Cinemateca Boliviana, El Alto , Universidad Pública de El Alto, Fundación COMPA

Ciudad: Santa Cruz de la Sierra Lugares: Centro de Formación de la Cooperación Española , Centro Cultural Santa Cruz, Centro Cultural Franco Alemán, Cine Bellavista

Ciudad:Tarija Lugares: Casa de la Cultura, Centro Boliviano Americano (CBA), Yembatirenda

Ciudad: Potosí Lugares: Casa de la Cultura, Paraninfo Universitario (en colaboración con Productora Zona Vip), Tupiza, Cine Teatro Suipacha

Ciudad:Trinidad Lugares: San Ignacio de Moxos, Biblioteca de San Ignacio de Moxos Ciudad: Cobija Lugares: Universidad Amazónica de Pando

Ciudad: Oruro Lugares: Casa de la Cultura / Museo Simón I. Patiño, Centro Cultural Muro Tambo (en colaboración con Cine Club Séptimo Ojo).
OUTSIDERS
Por: Monica Heinrich V.

Un cuento de hadas glacial tan delicado, atormentado y poético como nunca has visto” (Guillermo del Toro)

Una pequeña pieza de orfebrería, la mejor película de Sitges, de lejos” (El País)

Una de esas maravillas que logrará traspasar el umbral del tiempo” (El Periódico de Cataluña)

Vampiros. Parecía que estábamos condenados a sufrir vampiros ñoños, pijos, de catálogo Mattel gracias a la insulsa pluma de Stephanie Meyer. Pero no, la respuesta a nuestras plegarias llegó del lado menos pensado, en el momento menos esperado, de la manera más inusual. La respuesta llega directo desde la tierra del gran Bergman, de Suecia. . Y si pensabas que nunca ibas a ver este filme en pantalla gigante, te equivocaste. El Festival de Cine Europeo que arrancó este 11 de noviembre te traerá la posibilidad UNICA de vivir esta experiencia.

En el 2004, un escritor de 36 años, John Ajvide Lindqvist, publicaba su primera novela Let the right one in, gracias al éxito obtenido dentro de su país muchos directores tocarían a su puerta (yo también hubiera tocado, pateado, violado su puerta) buscando adaptar la historia. Uno de ellos sería Tomas Alfredson, que luego de una cita con el escritor llegaría a un acuerdo para adaptar el libro a la pantalla gigante, y cuatro años después, Eli versión papel sería de carne y hueso.

Let the right one in, cuya traducción literal sería Deja que el indicado entre, y que ha sido traducido como Déjame entrar, es sin duda una gran película y una mejor novela (si es posible).

Blackeberg, 80s. Una noche que la nieve cae suavemente nos da la bienvenida en la pantalla. Vos que te encontrás arrebujado en tu asiento y absolutamente ingenuo, susurrás como estúpido: “nieve”. Luego la voz en off de nuestro protagonista, Oskar, que dice “Chilla como un cerdo. Chilla”. Ahí te desperezás y sentís ese vértigo previo que anuncia que verás algo especial. Luego Eli, nuestra querida Eli, Eli 12 años, Eli Niña, Eli Vampiro, Eli asexual, Eli Dios, bajando de un auto con su “guardián”, “lacayo”, “ayuco”…con Hakan.

El edificio de un lugar tan remoto como Blackeberg, de un sitio tan lejano como Suecia, recibe a ambos. Y dentro, Oskar, Oskar Cuchillo, Oskar cerdo, Oskar 12 años, Oskar rubísimo, Oskar núbil, cuyo reflejo en el vidrio observa a los recién llegados. Vos, en otro país igual de lejano como Bolivia, lo ves y mientras la historia avanza, te conectás con esa gélida fábula.

Podés amar a Oskar, Oskar que representa a todos esos niños que son acosados o abusados por sus compañeros de clase en el colegio. Oskar que ve cómo un resentimiento oscuro se apodera de su vida, resentimiento hacia esos que lo llaman cerdo, a esos que lo convierten en un marginal, atrapado en un invierno sueco que no cesa. Ángel solitario hasta que llega Eli.

Podés amar a Eli, que alejándose de la “moda vampírica vegetariana” que ha bombardeado la pantalla últimamente, necesita sangre humana para vivir. Amar a Eli que al igual que Oskar es una outsider, sin amigos, sin conexiones emocionales, que genera muerte y terror a su alrededor, pero que consigue sentir cosas por nuestro rubio y abandonado protagonista. Demonio solitario hasta que llega a Oskar.


¿Dónde nace el terror o lo macabro? Eli es un vampiro, necesita sangre, tiene la imagen tierna y dulce de un niño de 12, lleva una relación ambigua y perversa con Hakan, un tipo mayor que no es su padre, ni tiene ningún lazo familiar con ella, pero que se convierte en asesino serial para proveerle sangre fresca.

Oskar producto del maltrato físico y psicológico que vive a diario, hijo único de padres separados, que pasa la mayor parte del tiempo solo, fantasea con actos violentos y con provocar la muerte a alguno de sus acosadores. Carga siempre un cuchillo y su moral, a pesar de ser un prepúber se vuelve oscura mientras el filme avanza gracias a los intensos sentimientos que le despierta el único ser con el que se puede conectar emocionalmente, Eli.

El argumento tiene elementos que condimentan más la trama. Los acosadores de Oskar son niños, niños crueles, obscenamente crueles, tan crueles que en tu corazón se gesta una empatía con Oskar y un rastrero sentimiento de que reciban su “merecido”. Borrachines testigos de los crímenes, gente “infectada” por la mordida vampírica, vivir o morir, la violencia in crescendo, el amor, lo aceptable socialmente, el sistema, etc..

Como bien lo dijo el director del filme en un videochat con el escritor: En la literatura sueca todavía no se había manejado tan bien una temática de este tipo. Y como le respondió el escritor al director, el cine sueco tampoco puede ufanarse de haber dado al cine una gran película de este tipo.

Entonces lo que tenemos es algo atípico. Donde sobresale un casting perfecto, que al mismo decir (sí, me vi el videochat completito) de Alfredson es el 90% del éxito y que encontró a sus 2 protagonistas después de 1 año de intensa búsqueda. Otro punto a favor es un guión adaptado por el mismo escritor de la novela, donde a diferencia de la versión literaria se tuvo que focalizar la historia sólo en Oskar y en Eli, al tener apenas 2 horas para redondear una trama que en la versión literaria abarca 460 páginas. En la pantalla destaca por tener los diálogos precisos y que según el director está compuesta sobre todo por silencios. Silencios que cuentan la historia.

La estética austera, de planos fijos, semiazulada, sirve para darle un aire elegante, opresivo y frío al ambiente. Las locaciones, el vestuario, la luz, todo confabula para que sintás lo grotesco, el aislamiento, la tragedia.

Si bien la película llena en gran medida lo planteado en la novela, suaviza algunos elementos que hubieran provocado “ruido” en pantalla desviando la atención de la platea hacia temas más peliagudos que un amor bizarro.

El libro, por su parte, nos ofrece un perfil de Hakan que la película obvia. En el filme las motivaciones de Hakan nunca quedan claras, sabemos que siente “algo” por Eli, pero no se desarrolla lo que en la novela es un hecho, Hakan es pedófilo y como tal, el interés que siente en Eli es una especie de amor-obsesión sexual provocada por la edad que representa la niña vampiro. La versión literaria es responsable de una fea fea feísima imagen que se me quedó, y que desearía no haber leído nunca, la del niño sin dientes. Quienes la hayan leído o quienes la lean, comprenderán.

Otros detalles que no se pueden apreciar en el filme tienen que ver con los tiempos, tiempos que el libro se puede tomar para describir olores, situaciones, personalidades de personajes secundarios como Gosta o Virginia que en el papel son mucho más ricos. Detalles de personajes protagónicos. En la película jamás se dice que Eli es un niño y no una niña, mientras que en el libro queda claro que Eli sufrió un abuso terrible que lo dejó castrado y vemos el conflicto de Oskar ante el amor que siente por un niño, preguntándose porqué rechaza tanto sentir amor por otro niño, y puede ser más flexible con el hecho de que sea vampiro.

La novela es más oscura y sórdida, más despiadada. El filme, a pesar de suavizar muchos aspectos, es duro también. Y su plus radica en que todo lo feo se maneja bajo una ternura extraña, desgarrada y bella. Se iba a presentar una especie de flashback que de explicaciones sobre el pasado de Eli, y de cómo se convirtió en vampiro, pero como dije, la historia es demasiado grotesca y el director consideró que poner los elementos más desagradables de la novela en pantalla cumplirían como una especie de “efecto especial emocional” que al ser tan duro, le quitaría power a lo demás. Creo que Alfredson no se equivocó.

El final que algunos consideran “Happy” a mí me pareció dramático. Si vemos la suerte que corrió Hakan y los oscuros corazones que albergan esos cuerpos infantiles.

La película ya ha ganado más 50 premios en todo el mundo, la novela ya ha sido traducida a 21 idiomas. Se prepara un remake americano (POR QUË DIOS, POR QUÉ!!!) y el encargado será el director de Cloverfield y de la nueva versión de La Mujer Maravilla, el señor Matt Reeves.

Alfredson ya expresó su desacuerdo con el tema e incluso hizo amague de abandonar su carrera cinematográfica decepcionado por la falsedad de la industria. No sé, Reeves no es un mal director, pero no sé hasta qué punto pueda emular una película que no necesita remakes.

Aclamada por la crítica, Let The Right One in, seduce e hipnotiza por su estética narrativa y visual hermosa, elegante, austera. Una película sombría como sus gélidos y oscuros paisajes suecos. Cuento poético, protagonizado por ángeles con alas rotas de apenas 12 años. Los mejores vampiros de la década, y claro, una historia de amor donde se cita a Romeo y Julieta entre sangre, muerte y terror.

Imprescindible. Sólo te queda verla y dejarla entrar.

CURIOSIDADES
- El escritor sueco John Ajvide Lindqvist (Blackeberg, 1958) antes de alcanzar la fama en el 2004, fue cómico, mago, guionista de televisión, narrador. Escribe sobre vampiros, almas en pena, muertos en vida, zombies. Sus personajes muestran una obsesión por la muerte.
- El director Tomas Alfredson, afirmó que buscó inspiración en la música, la literatura y la pintura, sobre todo en la bella obra de Hans Holbein. ¨La expresión que le da a los rostros es espeluznante¨, dijo Alfredson.
- Aunque la trama tiene lugar en Blackeberg, Estocolmo, varias escenas y fotografías fueron tomadas en Luleå, en el norte de Suecia, para disponer de nieve y tiempo frío. Se construyó un escenario similar arquitectónicamente a Blackeberg .
- La música del sueco Johan Soderqvist refleja la época invernal en dónde se desarolla la película. Las partes vampíricas fueron logradas con el uso de la Orquesta Sinfónica Nacional Eslovaca (principalmente cuerdas, arpa y clarinete) y el uso de guitarras, los llamados waterphone de bajo, hurdy-gurdy, y piano tocados por Soderqvist mismo.

- Let the right one in hace referencia a un tema musical de Morrisey, Let the right one slip in, pero también a esa característica de los vampiros que supuestamente no pueden entrar a un lugar a menos que lo inviten.

- Lina Leandersson es la pequeña actriz que interpreta a Eli, filmó la película cuando tenía 11 años, desde pequeña se dedica al teatro y a la danza, gracias a su convincente performance la chica ha ganado algunos de los tantos premios que obtuvo el filme. Por su parte, su compañero de reparto el jovencísimo Kåre Hedebrant, hoy también de 14 años, viene del teatro y de la música, y luego del éxito obtenido con el filme, planea dedicarse a su primera pasión: una banda musical. Ambos, junto con el director Tomas Alfredson y el escritor John Ajvide Lindqvist, son parte de una película que sin duda s convertirá en referencia de culto.

PD: Si supiera que podrán encontrar el libro en alguna librería les recomendaba comprarlo, pero como son tiempos crueles de supervivencia cultural, les dejo el link donde pueden descargarlo.